이 책은 중세 시대부터 최근까지, 서구 세계에서의 일반적 회화 역사를 정립해 보기 위해 쓰여졌다. 이를 위해 필자는 개인의 생애나 특별한 기여에 시선을 돌리기보다, 작가들이 어느 시기에 위치하며, 어느 미술 운동과 연관되는지, 작업 방식에서는 어느 누구 혹은 무엇에서 영감을 받았는지에 대해 초점을 맞추고 살펴보았다. 회화를 양식(style)과 운동(movement)의 연대기적 역사로 소개하는 일은 그리 간단한 일이 아니다. 회화의 역사가 의외로 깔끔하게 잘 정돈되어 있는 편이 아니기 때문이다. 회화사의 명칭들은 모순되거나 종종 중복되어 있기도 하다. 또한 작가가 어디에 속해 있는지, 그리고 작가 경력 중 어느 시점에 특정 그룹에 속했던 사실이 훗날 더 성숙된 후기의 작업과 어떤 연관이 있는지 아닌지 정확히 가려내는 일도 어려운 일이다. 화가들이 함께 작업했다거나 상호 접촉했기 때문이 아니라 그들의 작품이 공통된 주제와 아이디어를 공유했기 때문에 그들을 같은 우산 아래 함께 놓기도 한다. 필자는 미술사의 결함들을 숨기기보다, 필자만의 색다른 설명적인 글쓰기로 독자들이 보다 나은 이해를 할 수 있기를 원한다.
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필자는 이 책이 서양 미술사를 새롭게 배우려는 학생, 일반 독자, 그리고 예술가들을 위한 참고서로 주목되길 바란다. 여기에 실린 글들은 서양 미술사로 나아가는 단순한 출발점이 되겠지만, 궁극적으로는 이 책이 영감을 주어 여러분이 여기 소개된 예술가들의 작품과 관련지어 스스로 생각할 수 있는
힘을 갖게 되길 바란다. 회화에 관해 읽는다는 것은 회화에 관해 진지하게 생각하는 일의 시작을 뜻한다. 이후에 여러분은 회화에 관한 자기 의견에 더 큰 자신감을 갖게 될 것이다. 예를 들어, 마네와 고야의 그림들 사이의 연관성 혹은 로스코와 카라바조의 그림들이 지닌 묵직한 감정의 동등함을 알아보기 시작할 것이다. 미술사에의 도전은 과거에도 그랬듯이 여러분에게 이 같은 연관 의식을 갖추게 할 뿐 아니라 영감과 정보를 줌으로써 여러분을 지적 모험으로 가득 찬 미술의 세계로 인도할 것이다.
---「머리말」에서

만일 미술사를 인류가 살아온 역사의 연대기로 살펴본다면, 미술가들이 그림을 그리기 위해서 대대로 얼마나 많은 다양한 표현 방법들을 사용해 왔는지를 알 수 있다. 이 책의 주안점이 서양 미술에 있는 만큼, 이제 서양 회화사라는 맥락 위에서, 그림 제작에 사용되어 온 재료와 기술들을 주목하며 고려해 볼 차례이다. 선을 긋는 도구와 색을 칠하는 안료로 이미지를 만드는 의식은 이미 선사 시대부터 있어 왔다. 그러나 보다 더 세련된 형식과 복잡한 방법을 사용하며 이미지를 창조하는 일은 이 글의 출발점인 중세 시대부터 시작됐다.
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프레스코화 제작은 매우 힘든 작업이다. 하지만 강한 내구성 때문에, 건축적 규모의 거대한 그림들을 그릴 때, 자주 시행되곤 한다. 프레스코 물감은 건물 벽의 석회층 안으로 스며들어 굳어지므로, 완성된 프레스코화는 결국 건물과 일체가 된다. 많은 프레스코 벽화들이 수세기가 지난 오늘날까지도 여전히 건재하고 있다는 사실이 프레스코 매체의 견고함을 입증해 준다. 또한 프레스코는 건조한 기후 환경에도 잘 보전되는 매체이다. 그래서 유럽 남부의 이탈리아 도시들, 특히 로마와 만토바는 프레스코의 대형 프로젝트들이 성취될 수 있는 좋은 조건의 지역들이다. 반면에 운하의 도시인 베네치아는 축축한 습기 때문에 프레스코가 별로 성공적으로 보전되지 못했다. 그 대신 이곳에서는 비수용성 재료인 유채가 크게 유행했으며, 벨리니 형제들, 티치아노 및 틴토레토 같은 르네상스 미술의 대가들에 의해 유화의 중심지로서 명성을 확립할 수 있었다. 씨앗이나 견과류의 기름이 안료의 용매제로 사용된 것은 11세기부터지만, 보다 순수한 기름 매제를 사용한 유화가 화가들 사이에 인기 있는 매체로 정착된 것은 16세기에 이르러서의 일이다. 그런데 그보다 한발 앞서 유화의 기술 발전에 큰 기여를 했던 인물이 있는데, 그가 네덜란드 화가인 얀 판에이크이다.
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한편 사진의 발달이 회화의 흐름을 바꾸어 놓았다. 사진이 개발되고 확산되면서, 회화는 우리가 경험한 대로 삶을 모사해 내는 역할을 떠나 사진과는 다른 역할을 해야만 했다. 말하자면 이제 화가가 해야 할 일은 우리로 하여금 평평한 화면 위에서 색 물감의 배열을 바라보도록 하는 것이지, 실제 삶의 모습을 그대로 반영해 보여 줄 필요가 없다는 것이다. 그리하여 회화가 세상을 비추는 거울이 아니라, 고유하고 정당한 자기 표현의 권리대로 다양한 표현을 할 수 있다는 생각이 널리 퍼졌다. 모방의 임무를 떠나 임파스토의 물감 층으로 덮인 화면과 폭넓게 운용된 색조는 유채가 본래부터 가진 고유한 속성을 드러내는 기회가 됐다.
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미술 재료 및 기법의 발전과 이것들에 관한 논의들은 계속 진행 중에 있고, 그 가운데 주요한 진전과 변화가 일어나고 있다. 하지만 이런 변화에도 개의치 않고, 미술가들은 오늘날에도 여전히 그림 그리는 것을 즐기며 계속 작업하고 있다. 분명한 것은 회화가 지금까지 미술사 안에서처럼 늘 그 자체로 정당하고 특정한 예술 매체란 사실이며, 동시대의 예술 실천들 가운데서도 변함없이 주요 산물로서 자리하고 있다는 것이다. 필자는 이런 활기찬 실천이 앞으로도 계속되길 기대하며, 미술의 끊임없는 변화의 양태를 미술사 맥락 안에서 설명해 낼 수 있길 바라는 바이다.
---「회화 기법의 역사」에서

『서양 미술사: 르네상스부터 포스트모더니즘까지 회화의 역사를 보다』는 제목 그대로 14세기에서 21세기 초까지 서구 근현대 미술 그중에도 특히 회화사의 흐름을 여덟 가지 테마로 정리해 기술한 책이다. 테마에 따라 나뉜 본문 안에는 각 시대 및 사회의 변화 내용을 근거로 대표 화가들이 선별되어 있으며, 그들이 제작한 다양한 걸작들이 주제와 양식을 중심으로 해설되어 있다. 그리고 본문의 곳곳에 미술사를 관통한 핵심적인 회화 운동과 미적 태도들이 언급되어 있고, 화가들과 작품 사례들을 세심하게 짚어 가면서 미술사 전체를 훑는 방식을 취했다.
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필자는 A. N. 호지의 미술사 기술이 상당히 정연한 구조로 이루어졌음을 확인해 두고자 한다. 각 장의 서두마다 해당 미술의 역사와 주변 문화, 사회와의 상관관계라는 그물망을 펼쳐 놓았으며, 저자는 이 위에서 작품에 대한 해설을 시작하되 각각의 해설은 비평적 의식과 예리한 감식안이 상호 조화된 상태로 전개되고 있음을 밝힌다. 특히 저자의 책을 읽으면서, 전체를 훑어가는 민첩함이나 하나의 문제가 지닌 여러 요소들에 대한 정확한 평가, 그리고 어떤 관점을 새로운 방향으로 전환하는 능력 등을 발견할 수 있는데, 이는 저자의 간명한 기술 방식에 대한 우려를 거꾸로 경탄으로 바꾸어 놓는 요인들이 된다. 저자의 글쓰기에 대해 말하고 싶은 또 하나는 그가 각 장마다 해당 작품들에 대해 이미 검증됐거나 개연성이 높은, 다시 말해 의미의 왜곡이 없는 올바른 해석들을 배치했다는 점이다. 미술사에서 작품 해석은 매우 중요하다. 미술사학자의 객관적이고 전문적인 해석은 작품에서 이전에는 보이지 않던 것을 보여 주며, 이후에는 그것이 작품과 깊이 연결되어 그림 자체가 관객에게 그렇게 말을 걸어오는 것처럼 여겨지게 만든다. 그림의 내용뿐 아니라 형태도 해석의 대상이 된다. E. H. 곰브리치가 『예술과 환영』에서 지각 심리학을 토대로 ‘그림의 형태는 배운 대로 보이고, 배운 만큼 보인다’고 말한 뜻을 상기해 볼 만하다. 작품의 양식과 형태를 체험하게 하고 그 의미를 해독함으로써 미술사의 생생한 독해력을 키우는 『서양 미술사: 르네상스부터 포스트모더니즘까지 회화의 역사를 보다』는, 따라서 일반인과 학생들을 위한 미술사 안내서 그 이상으로 전문적인 미술사 입문서로서의 효과도 거둘 수 있으리라 기대된다.

최근 들어 더 많은 사람들이 문화 예술에 관심을 두고 있으며, 서양 미술과 서양 미술사에 대한 주목도 단순한 호기심을 넘어 보다 적극적인 관심으로 변화되고 있다. 이러한 동향은 하나의 지구촌으로 변모된 오늘날 사회에서 꽤 당연한 일처럼 느껴진다. 교통과 통신의 발달로 우리 모두가 동서양의 경계를 손쉽게 넘나들 수 있고, 특히 인터넷을 통한 이미지들의 ‘벽 없는 가상 미술관’이 대중의 주의를 끌며 문화 혼종의 양상으로 확산된 점을 미루어 볼 때, 우리가 다른 상대편의 예술에 관심을 갖는 것은 자연스러운 일로 다가온다. 그런데 서양 작품 이미지들의 보편적 확산이 우리에게 서양 미술에 대한 친밀감을 갖게 해 준다고 해도, 수천 혹은 수백 년 동안 쌓여 온 작품들의 망망대해를 헷갈림 없이 헤쳐 나가도록 길을 열어 주기까지 하는 것은 아니다. 흔히 그렇듯 미술 작품에 대한 개인의 맹목적 일별과 감상적 기분의 코멘트는 작가나 작품에 대한 이해를 단편화된 정보들의 무질서한 배합으로 만들 위험이 크다.<br/>우리 눈앞에 펼쳐진 무수하고 다양한 미술 작품들에 대한 감상과 이해를 일관성 있는 지적 모험으로 이끌고, 그 감상의 과정을 보다 충실할 수 있도록 돕는 첫 번째 가이드라인은 다름 아닌 미술사이다. 역사의 틀 안에서 작품들에 대해 실증적으로 접근하는 미술사는 미술 작품을 조사 분류할 뿐 아니라 그 역사적 발전 과정과 창작 양식 내지는 정신의 구현 과정을 추적하는 전문적인 학술 분야이다. 하지만 이 미술사는 또한 전문 지식이 없는 사람들조차도 방대한 미술의 영역 안으로 발을 들여놓게 하고, 놀라운 미술 작품들의 세계를 새삼스럽게 발견하게 하는 신비롭고 매혹적인 분야이기도 하다. 『서양 미술사: 르네상스부터 포스트모더니즘까지 회화의 역사를 보다』는 바로 이 두 번째의 역할, 즉 미술사에로의 입문을 지지하기 위해 쓰인 책이다. 서양 미술사, 그중에서도 회화의 역사라는 넓은 영역의 윤곽을 일반 독자들의 눈높이에 맞게 그려 보이면서, 역사의 각 지층마다 대표적 전형으로 떠오른 작가와 작품들을 소개하고 있다. 따라서 이 책은 최소한의 미술 정보가 있는 일반인 혹은 미술에 처음 입문하려는 10~20대의 젊은 학생들에게 적합하며, 독자들에게 서양 미술사의 개요를 마치 오리엔테이션하듯 제공해 주는 역할을 한다. 여기에는 어려운 학술 용어나 개념의 걸림이 없으며, 본문의 각 테마들은 매우 평이한 문체와 이해하기 쉬운 설명으로 다루어져 있다. <br/>이 책의 저자인 A. N. 호지는 서양 미술사의 다층적 범주와 깊이 있는 내용들을 다소 도식화시켜서 전달하는 부담을 감수하고 있다. 르네상스 시대의 미술에서 최근의 미술까지 통사식 전개 방식을 선택하면서도 저자는 마치 백과사전에서처럼 회화사의 핵심만을 짚어 가는 간단명료한 서술법을 선택했다. 그 이유는 한 마디로 일반 독자들의 쉽고 빠른 이해를 돕기 위해서이다. 덕분에 독자들은 페이지마다 다이나믹하게 상이한 미술 운동, 화가, 작품들과 대면하면서, 서양 미술사를 차근차근 알아 가는 유쾌하면서도 흥미로운 만남을 할 수 있게 된다. 더군다나 개별 테마마다 한두 장 씩 매우 완벽한 컬러 도판들이 삽입되어 있어서, 본문의 내용을 생생한 감각으로 체득할 수 있을 뿐 아니라 간혹 낯선 작품에 대한 설명에서도 부담 없는 접근과 이해가 가능하도록 하고 있다. <br/>그런데 그렇다고 해서 서양 미술사의 깊고 풍부한 내용들이 복잡함을 이유로 완전히 희생된 것은 아니다. 저자는 서양 미술사에 대한 해박한 지식과 광범위한 자료를 토대로, 매우 포괄적이고 종합적인 회화의 역사를 기술하고 있다. 가령 르네상스 시대로부터 포스트모더니즘 시기까지 연결된 미술사의 궤적을 따라가며, 총 7장의 연대기적 순서의 범주를 분류한 다음, 각 장마다 시대적, 문화적, 양식적 맥락에 준거하여 제목을 붙여 놓았다. 그리고 개별 화가들의 생애 같은 전기적 서술을 축약하면서도, E. H. J. 곰브리치가 『서양 미술사(The Story of Art)』의 서문에서 언급했던 ‘미술가 중심의 미술사’ 기술 방식을 채택해, 많은 수의 화가들과 그들의 작품들을 선별하여 해설하고 있다. 물론 여기에는 해당 미술 운동과 양식(style)이 상위 개념으로, 그리고 문화적 패러다임이 내용 전환의 축으로 적용되고 있어서, 특정 화가의 작품이 어떤 사회, 역사적 맥락에서 출현하고 어떤 양식으로 표현되고 있으며 가치 평가되는지를 거의 빠짐없이 가리키거나 암시하고 있다. <br/>따라서 『서양 미술사: 르네상스부터 포스트모더니즘까지 회화의 역사를 보다』를 읽는 독자들은 보티첼리의 [비너스의 탄생]이 보여 준 이탈리아 르네상스 미술의 이상화된 고전주의 양식이 300여 년 후 다비드의 [마라의 죽음]에서는 냉엄한 역사적 현실을 다루는 리얼리즘의 고전주의로 전환되어 있음을 깨닫게 될 것이다. 또한 저자는 이 고전주의를 서양 미술에서의 재현의 규범 양식으로 소개하면서도, 다양한 진원지, 즉 상이한 시대와 사회를 배경으로 한 화가들의 작품들 안에서 여러 형태로 분류되고 비교될 수 있음을 다수의 사례들을 통해 설명한다. 르네상스와 바로크의 고전주의, 그리고 근대의 신고전주의에 이르는 그야말로 서양 합리주의의 영광을 보여 준 ‘고전주의’ 양식 외에도, 이 책은 낭만주의의 혁명과 주관주의의 승리를 유럽 각국의 화가들이 그린 감성적 이미지들을 통해 직시하게 하며, 인상주의와 후기 인상주의가 이룩한 회화 기술의 획기적 혁신에서부터 추상의 형식주의 태도, 그리고 전후 추상 표현주의의 급진적 모더니즘 회화와 그 이후 포스트모더니즘의 다양한 회화 표현 사례들에 이르기까지, 서양 회화 역사의 중요한 전환의 지점들을 낱낱이 짚으며 대표 작가들과 그들의 걸작 작품을 통해 흥미로운 해설과 검토를 제공한다.<br/><br/>『서양 미술사: 르네상스부터 포스트모더니즘까지 회화의 역사를 보다』의 장점은 저자인 A. N. 호지가 서양 회화사의 연대기적 흐름을 포괄적으로 따르면서 그 가운데서 가장 대표적인 미술 운동과 양식 그리고 작가들을 풍부한 사례들로 추출해 냈다는 점이다. 이를 위해 저자는 개인의 연구 취향이나 주제에 대한 선별을 뒤로 한 채, 가능한 한 미술사의 전체 지형도를 염두에 두면서 그 지형도를 바탕으로 각각의 시대, 사회적 맥락과 연결된 화가들의 제작 태도 및 그들의 회화 작품에 대한 양식사식 서술 구조를 성립시켰다. <br/>따라서 이 책을 읽는 독자들은 역사적 맥락 안에서 초기 르네상스의 기독교 도상들의 장식성과 상징성, 조토의 사실적 모방으로 인한 중세 전통의 탈피를 비롯하여 보티첼리의 고전적 고대의 발견과 레오나르도 다빈치의 고전주의의 완성을 필두로 북유럽 르네상스 및 바로크, 로코코 시대를 향한 머나먼 지적, 문화적 여행을 시작하는 것이다. 19세기에 이르면 다양한 유파와 운동들이 전개되면서 회화가 양식적으로 좀 더 세분화, 개별화되고 작가의 주관과 작품의 스타일이 중요시되는 것을 파악할 수가 있다. 20세기로 넘어가면 독자는 서양 미술에 훨씬 더 많은 변화와 혁신이 출현하면서 회화 형식에 대한 새로운 체험이 반복된다는 것과 시각 예술의 경계들이 차츰 무너진다는 사실을 체득할 수가 있다. 나아가 포스트모더니즘의 예술 공간을 통해서는 회화의 구조적 분석에 대한 관심이 아니라 화가의 서술적, 심리적 혹은 지각의 태도가 각양각색의 표현법들을 양산하면서 회화 제작의 영역을 거의 무한대로 확장시키는 한편 ‘그리기’의 즐거움을 경험하도록 이끈다는 사실을 알게 된다.<br/>『서양 미술사: 르네상스부터 포스트모더니즘까지 회화의 역사를 보다』는 이 모든 정교한 회화사적 사실들을 마치 구슬을 꿰듯 정연한 글쓰기를 통해 독자들 앞에 드러내 보인다. 하지만 이 책의 교육적 성과는 저자의 그 같은 명료한 문장들 가운데서 끝나지 않는다. 페이지마다 삽입된 매우 선명한 사진 자료, 즉 작품 도판들도 독자로 하여금 각 시대별 대표작들의 표현 양식과 특성을 직접 파악하게 하고, 본문 내용에 비추어 분석과 비교를 할 수 있게 한다. 또한 이 책은 그동안 서양 미술사의 거장들을 소개한 대부분의 책들이 간과했던 여성 미술가들을 다수 소개하는 특징을 갖고 있기도 하다. 최근 들어 페미니즘 관점으로 미술사를 재고하는 연구가 활발히 진행되고 있는데, 이 책은 회화사 내에서 여성 화가들을 발굴, 재조명함으로써 현재 연구 조류와 일치된 방향으로 기술되어 있다. 나아가 저자는 전통 미술사 범주에서라면 거의 언급하지 않던 생존 작가들, 즉 현재 작업을 진행 중인 포스트모던 작가들과 그들의 작품에 대해서도 분류와 설명을 시도하는 등 동시대 미술에 대한 비평적 언급까지도 아끼지 않고 있다. <br/>그 덕분에 『서양 미술사: 르네상스부터 포스트모더니즘까지 회화의 역사를 보다』는 각 토픽마다 비교적 간략한 내용들을 배열하고 있음에도 불구하고, 광범위한 회화의 역사를 종합적으로 기술해 낸 근래 보기 드문 서양 미술사의 안내서로 소개될 수 있다. 적어도 이제 막 미술사에 입문하려는 독자들에게 이 책은 매우 교육적인 지침서가 될 것임이 분명하다. 수백 년 동안 다양한 조형적 혁신과 변화를 거듭해온 서양 미술의 빽빽한 숲 속을 헷갈림 없이 마음껏 가로지를 수 있게 하는 오솔길 같은 책이자, 또한 미지의 독자들을 서양 미술의 세계 특히 서양 회화사의 세계 한가운데로 안착시키는 최적의 도구 같은 책이다. 더군다나 서양 회화의 모험들 중 최고의 사례들을 집결시켜 낱낱이 드러낸 저자의 집필 방식은 걸작들에 대한 이해의 즐거움뿐 아니라 회화사 전체에 대한 통찰력을 키워 주며 궁극적으로는 미술과 사회, 미술과 삶의 연결을 엿보게까지도 한다. 위대한 미술가들은 세상을 바라보는 우리의 눈과 근본적 삶의 태도마저도 변화시키는 법이므로…<br/><br/>